Olá!!! 

        Este tema não é um tema que abordamos muito por aqui, mas me senti inspirada ao ver as vitrines das lojas em Nova York (acabei de voltar das minhas férias..). Aquela cidade é uma loucura para qualquer pessoa de qualquer área; uma diversidade de culturas, de informações e oportunidades... Quando vou, gosto de caminhar muito, assim fico com a sensação de viver a cidade, de estar mais próximo de tudo o que ela me oferece.. e foi nessas caminhadas que comecei a pensar nas vitrines e na arquitetura das lojas.       
        Por princípio, de acordo com a American Marketing Association, "marketing é uma função organizacional e um conjunto de processos que envolve a criação, a comunicação e a entrega de valor para os clientes, bem como a administração do relacionamento com eles, de modo que beneficie a organização com seu público interessado." Ou seja, o foco é no cliente e na experiência de compra que ele terá na loja; e é aí que entram os arquitetos e designers de interiores.
       A imagem abaixo é um pouco menos conhecida do que o grande cubo de vidro com o símbolo da Apple em plena 5º Avenida, mas escolhi justamente esta para ilustrar o que eu tenho a dizer. Na intenção de proporcionar uma experiência de compra aos clientes que estão na loja, as marcas tentam transportar todo o seu conjunto de valores para a arquitetura do ambiente. Parece complicado, mas é simples. Pensando na Apple, o que nos vem à cabeça?

• Tecnologia
  
• Inovação
• Simplicidade
• Interatividade
• Portabilidade
• blá, blá, blá

         Pensando nos itens acima, fica fácil de ver cada um na imagem. Todos os atendentes são super solícitos, uma grande área que traz o melhor e a novidade em tecnologia mundial, o ambiente transmite simplicidade e facilidade. Viram como tudo é pensado? E quando você está na loja, você apenas sente o seu coração batendo "Apple" "Apple"... rsrs....o marketing cumpriu o seu objetivo. Mas, chega de teoria e vamos às fotos!

Esta semana tem mais..!

Bjokas

       David Hockey. Pintor, desenhista, fotógrafo, cenógrafo e etc etc etc... É um artista completo! Suas obras, ao mesmo tempo que possuem uma temática simples com uma visão objetiva, não deixam de conter uma complexidade reconhecida por qualquer observador.
   Sua carreira é bastante variada, tanto nas técnicas como nas influências, pois apresenta traços expressionistas no início, consagração no Pop Art por meio das piscinas de Los Angeles (história que conto já já), cubismo, homenagens à outros artistas como Pablo Picasso e Van Gogh e tudo o que o consagra como um dos artistas mais influentes do séc 20. 
       Hoje, com os seus 75 anos, ainda está ativo e inovando. Seu nome e sua visão gerou muitas críticas ao apresentar trabalhos desenhados no Iphone ou no Ipad que são impressos e expostos. Os críticos questionam a simplicidade, a facilidade e a ausência do toque do artista. David Hockey, por sua vez, defende que estes são apenas meios, assim como o papel e a tela, importando apenas o resultados final.

        Como vocês viram, é um artista de muitas técnicas, porém foram qualidades que surgiram de formas inesperadas. O caso mais interessante foi como ele começou a trabalhar com fotografias. Ao pintar grandes obras, David Hockey gostava de tirar foto do cenário para mantê-lo em um espaço e tempo definido, ou seja, conseguia guardar a imagem de uma paisagem sem as mudanças de luz, por exemplo. Dessa forma, começou a tirar suas próprias fotos ao notar que as fotos tiradas por profissionais vinham distorcidas devido ao uso de lentes grande angular. Ao tirar unir as suas fotos em forma de fotomontagem, viu uma nova possibilidade de trabalho.
        As suas fotomontagens eram chamadas pelo artista de "Joiners" e foram criadas entre 1970-1986. Devido à limitação de apenas uma visão, David Hockey voltou a pintar, atividade que havia parado. 

    Apesar de David Hockey ter nascido em Bradford, interior da Inglaterra, a grandiosidade de sua carreira fez com que ele viajasse pelo mundo e principalmente pelos Estados Unidos, onde encontrou o seu segundo lar. Morou em Los Angeles por muitos anos e expressou a sua paixão por meio de diversas pinturas de piscinas. A obra mais famosa é a que vocês vêem ao lado. 
        Como disse no começo do post, David Hockey teve seu nome ligado ao Pop Art devido à esta fase, mesmo rejeitando este título, que permaneceu devido à constante abordagem da temática e características do movimento.

O site do artista é bem legal! Vejam mais em:  http://www.hockneypictures.com/home.php

Bjokas

              Olá! Escolhi o tema de hoje por ser um movimento que teve início nos anos 50, mas que nos coloca para refletir até hoje. Dentro da arte moderna, o movimento do Pop Art, com a sua temática figurativa e em um momento pós segunda guerra, ilustra a influência e o poder da cultura americana. Por definição, questiona-se a massificação da cultura popular capitalista, além de criticar a arte expressionista abstrata; dessa forma, notamos a elitização de uma arte popular. Na imagem acima, podemos ver a obra de um dos precursores do Pop Art que decidiu ilutrar a visão futurista de New York por meio de temas espaciais e elementos de revistas em quadrinhos, uma de suas marcas registradas.
             Este movimento, como falei, teve início em meados nos anos 50 na Inglaterra e foi ganhar força no final  deste período nos Estados Unidos. Apesar das obras americanas e britânicas estarem reunidas em um mesmo movimento, o motivo de origem diferem de um país para outro. Vejam a comparação:

         Deixo mais algumas obras! Aposto que algumas são bem conhecidas já..!

Bjokas

Bom dia!!

      Dando continuidade à temática da semana, hoje explicarei um pouquinho sobre a cromoterapia, uma das terapias alternativas mais reconhecidas. De forma conceitual, parte-se do princípio que saúde e doença dependem da harmonia entre corpo, mente e meio ambiente. Considerando que luz é energia e cada cor possui uma vibração específica e capacidade terapêutica, a cromoterapia, nada mais é do que restauração do equilíbrio entre corpo e energia de áreas em disfunção no corpo humano. O tratamento se inicia com o alívio de dores até a cura, que pode variar entre dez e quinze sessões. Utiliza-se 7 cores do espectro solar:

• Vermelho: Ativa a circulação e o sistema nervoso, estimula o raciocínio e a capacidade mental, aumenta a força de vontade e a coragem, além de ajudar a eliminar o stress.
• Laranja: Ajuda a eliminar gorduras localizadas, estimula a comunicação, a criatividade, a generosidade e o entusiasmo.
• Amarelo:  Atua na regeneração óssea, ajuda o autocontrole e estimula o raciocínio. Traz luz e harmonia para combater situações difíceis.
• Verde: Acalma o coração e a mente, possui ação anti-séptica e vaso-dilatadora. Também é energizante e proporciona esperança e satisfação pessoal.
• Azul: Ajuda a tranqüilizar e acalmar. Também possui ação analgésica e previne os sintomas do stress. 
• Violeta: Melhora a saúde e ajuda na cura de infecções e inflamações. Também tem o poder de transformar energias negativas em positivas.  
• Branco:  Ajuda na purificação da mente e traz tranqüilidade e paz. 

Amanhã falarei das aplicações nos ambientes!

Bjokas

Olá!

          Esta semana falarei de cores e escolhi Feng Shui para começar. Como o assunto é muito amplo, decidi quebrar em dois ou três posts para a leitura ficar mais leve! Gosto muito de cores e acho que fazem a diferença em um ambiente. Quando as estou escolhendo, sempre converso bastante com os meus clientes, assim posso sugerir a que melhor representa as suas rotinas.

       Para quem pensa que Feng Shui é uma combinação de cor e sensação, esta muito enganado. É algo muito maior e muito interessante! Por isso quis trazer para vocês. Esta é uma corrente de pensamento chinesa de mais de 4.000 anos, que traduzida ao pé da letra, quer dizer vento e água. Basicamente é a compreensão das forças necessárias para conservar as influências positivas presentes em um espaço e redirecionar as negativas para beneficiar os usuários. O vento traz as coisas boas e a água as leva ou redireciona. Mas porque a sua importância nos ambientes? Os precursores do Feng Shui, compreendendo a influência que as vibrações positivas e negativas tinham sob os usuários, estudaram também a melhor posição das edificações, móveis e objetos.
          De modo mais profundo, o Feng Shui trabalha com dois aspectos:

1. Aspectos visíveis: se refere a tudo que podemos ver, ou seja, como os ambientes são constituídos. Indica os elementos que colaboram ou não para a preservação das vibrações boas. Como itens nocivos, considera-se, como por exemplo, a porta principal alinhada com a porta dos fundos; a escada alinhada à porta de entrada; ou objetos pontiagudos ou de aparência desagradável na direção de portas ou janelas.

2. Aspectos invisíveis: talvez, até mais importantes, estruturam de forma matemática, o campo eletromagnético do ambientes, que é calculado levando em consideração a orientação do imóvel e as características do momento em que o mesmo foi construído. Na prática, utiliza-se uma bússula que quantifica a orientação destes campos.

        O importante disso tudo, é saber que o Feng Shui tem como objetivo reter as boas influências, reduzir os efeitos negativos das más influências e proporcionar saúde, harmonia e bem-estar aos moradores. Amanhã, no nosso dia de dicas, falarei como vocês podem aplicar isso tudo!

Boa noite e bjokas!

      
      Se Antoni Placid Gaudí i Cornet (1952-1926) estivesse vivo, estaria completando 160 anos, por isso, dedicamos o post de hoje à ele. Dono de um estilo único formado por influências na arquitetura gótica, art nouveau e naturalista, não foi compreendido na sua época, algo muito diferente do que acontece atualmente. Há quem considere Gaudí um dos maiores símbolos do modernismo.
            Nascido em Reus, Catalunha, Espanha, mudou-se para Barcelona em 1869 para estudar arquitetura, curso que demorou 8 anos para terminar devido serviços militares e outras atividades. Quando falamos que o artista não possuía um estilo único, deve-se ao fato de diferentes fases. A maioria de suas obras foram construídas em Barcelona.

Início de carreira :: desde os trabalhos escolares, mostrava influências do estilo Vitoriano; porém já logo adicionou técnicas tridimencionais à suas obras por meio de justaposições de massas geométricas. Estas justaposições criavam uma atmosfera que lembra a arte mourisca (mistura da arte mulçumana com a cristã), apesar dos diferentes símbolos. Flores e répteis, eram alguns dos símbolos utilizados.

Mecenato de Güell :: mesmo considerado ousado para época, Güell, um homem rico e retrato da era industrial, acreditou no talento de Gaudí e passou a patrocinar várias obras. Foi nesta época que experimentou um pouco da Art Nouveau, estilo que harmonizou as formas, defendeu elementos orgânicos e usava hipérboles e parábolas em janelas, arcos e portas.

Fase Gótica :: uma das influências mais marcantes em suas obras, a arquitetura gótica, que teve origem no período medieval e é considerada a evolução da arte românica, transformou os conceitos de construção de catedrais. O uso de arcos, que requer uma estrutura de sustentação muito mais simples do que os semi círculos da arquitetura românica, possibilitou  a construção de paredes mais finas e substituição de concreto por vitrais, responsáveis pela iluminação tão necessária na época. Os arcos agregavam ainda mais à suas obras devido à visão naturalista de Gaudí, sendo uma forma muito comum na natureza.

Estilo Gaudí :: já bastante conceituado, ainda que criticado pela sua excentricidade, passou a buscar um estilo próprio, um estilo calcado em projeções, arcos, elementos naturalistas, suspensões e valorização da estrutura e materiais. Esta fase iniciou em meados de 1890. Sem dúvida, a obra mais relevante é o Templo Expiatório da Sagrada Família, construção que iniciou em 1883 e não viu o fim devido à sua morte; um atropelamento que gerou um episódio bastante trágico. A Sagrada Família é um post à parte, pois tem milhões detalhes interessantes para contar, mas hoje, apenas conto que as obras iniciaram em 1882 sendo projetada com o estilo neogótico, entretanto, quando Gaudí assumiu em 1883, houve uma reestruturação completa para que existissem três fachadas principais: Fachada da Natividade (única vista por Gaudí), Fachada da Paixão (iniciada em 1952) e Fachada da Glória (ainda em construção).

Bjokas e boa noite!

Olá!

         Acho que se a nossa casa pudesse nos abraçar, nos abraçaria por meio das almofadas, nada tão fofinho quanto elas! Em um ambiente decorado, as almofadas representam aconchego e acabamento ao ambiente. Pode parecer estranho, mas façam o teste: retirem as almofadas de suas camas ou sofás. Não fica faltando alguma coisa?
   Existem diferentes formatos, cores, tecidos, tamanho.. as possibilidades são infinitas, mas atente à decoração da sua casa para não errar. Quando elaboro um projeto para os meus clientes, inicio com uma pergunta básica: Qual o papel que as almofadas irão desempenhar? Papel principal ou papel secundário? Não é um demérito ter um papel secundário, a diferença entre papéis varia desde o nível de investimento, ou seja, quanto gastar com almofadas, até a escolha nas cores.
         Na hora de escolher formatos, tecidos, texturas e cores pense no seu ambiente e como as almofadas serão utilizadas. Geralmente, as almofadas meramente decorativas possuem tecidos mais refinados e delicados quando comparadas às almofadas de aconchego, aquelas que deitamos com a cabeça. Não há problema nenhum em misturar os dois tipos em um mesmo sofá, por exemplo. Em ambientes externos, considera-se, também, a opção de tecidos impermeáveis. Por padrão, utiliza-se número ímpares de almofadas em sofás, de 3 a 5 mais ou menos. As cores sempre devem ser complementares à cor do sofá ou da cama. Outra coisa que faço quando penso nos quartos dos meus clientes é confeccionar almofadas com tecidos que representem as suas personalidades. Gosto de 2 porta-travesseiros e 2 na frente menores.
                Para mantê-las limpas, usem o aspirador de pó. Outra opção que facilita muito, são capas de almofadas; em outras palavras, as almofadas são feitas de um tecido simples e as capas são as de tecidos decorativos. Dessa forma, fica fácil de lavar ou trocar capas. Há ainda as pessoas que variam de acordo com a estação do ano; cores alegres e tecidos leves para o verão e cores fechados com tecidos mais grossos para o inverno.
                Para almofadas existem três categorias:

1. Almofadas
2. Futons: são aquelas almofadas maiores colocas em bancos ou cadeiras mais duras. Agregam conforto, principalmente os modelos com vários botões.
3. Pufes: servem de aparadores ou assentos extras nos dias de festa.

Segue um link com almofadas divertidas: http://pinterest.com/tudoedimais/almofadas/


Bjokas

Boa tarde! Como foram de feriado? Bastante chuvoso, mas ideal para arrumar armários.. rs!

       Como ontem não consegui postar, hoje serão dois temas: dicas e modernismo. A frase do título parece recente, mas não se enganem, pois ela foi dita por um arquiteto chamado Mies Van der Rohe em meados do século XX, período correspondente ao modernismo.
          A arquitetura moderna nasceu em um período de grandes transformações e acontecimentos mundiais, como as duas guerras mundiais e revolução industrial. Dessa forma, o modernismo veio com o objetivo de renovar a arquitetura com idéias de industrialização, economia e a recém descoberta do design. A máxima era rejeitar o antigo, o supérfluo e o superficial. A saga era contra ornamentos, símbolo do que era antigo. Sua origem foi influenciada por nomes e escolas que até hoje são importantes, como:

• Bauhaus (Alemanha): escola de design, artes plásticas e arquitetura criada em 1919. Buscava unir a arte e artesanato à tecnologia, seja tecnologia de novos materiais ou até de produção.
• Le Corbusier (França): considerado um dos arquitetos mais importantes do século XX, ia contra o ornamento. Defendia que todos os prédios deveriam ser brancos e já compreendia a necessidade de estruturação das cidades com a presença dos automóveis. Foi um dos precursores do urbanismo.
• Frank Lloyd Wright (EUA): outro grande nome, partia do princípio que cada projeto deveria ser individual de acordo com sua finalidade e localização.

          Dessas influências formaram-se duas vertentes que marcaram o modernismo:

1. International Style: levava a filosofia européia; ou seja, pregava uma arquitetura limpa, sintética, racional e funcional.
2. Arquitetura orgânica: em oposição ao International Style e baseada nas idéias de Frank Lloyd Wright, as construções eram como organismos vivos que deveriam atender às necessidades de seus moradores. À medida em que as construções influenciavam os homens, os arquitetos seriam os seus modeladores.

       No Brasil, os conceitos não foram diferentes, então, inicialmente, havia a oposição ao antigo; entretanto, os conceitos europeus foram adaptados para a cultura brasileira. Um exemplo disso, é a artista Tarsila do Amaral. O marco oficial do modernismo no Brasil foi com a Semana da Arte Moderna em 1922.
        Apesar da influência de todos os arquitetos mencionados, foi o Le Corbusier que inspirou arquitetos brasileiros como Lúcio Costa e Oscar Niemeyer. Pode-se dizer que Niemeyer foi o grande responsável pela popularização deste estilo no país. 

Bjokas

          Olá! Como foram de final de semana? Já que vocês estão bem descansados, vou falar de um assunto um pouco mais densooo... Fazendo um link com a imagem da semana que postei sexta passada, a cadeira de Ron Arad, o tema de hoje é o estilo desconstrutivista; palavra difícil, mas com um conceito simples. Ao longo dos meus posts, tentarei postar assuntos complementares para que vocês entendam as motivações/influências dos designers no momento de criação. Como falarei de estilos e épocas, fiz uma linha do tempo simplificada para ajudar.

           Dentro do período contemporâneo, o desconstrutivismo nega alguns conceitos que os arquitetos modernos e pós-modernos tinham como base. De forma rápida:

• Modernismo: criticava qualquer tipo de alusão histórica, principalmente aos ornamentos, prevalecendo o funcionalismo das estruturas
• Pós-modernismo: volta da valorização de alguns conceitos históricos
• Desconstrutivismo: nega a geometria e simetria de outras épocas

           O grande paradoxo deste estilo é que o construir faz parte do desconstruir. Vocês verão nas imagens que darei como exemplo, que o manifesto ocorre por meio das formas (estruturas) e do preenchimento das formas (pisos, paredes, materiais); muitos vêem como um caos organizado e imprevisível.
          Além de influências e características de qualquer época e movimento, devemos sempre considerar as críticas para uma análise completa. No desconstrutivismo, as críticas questionavam o impacto que a negação ao passado poderia trazer às gerações futuras.
            Críticas são críticas e importantes, mas à nós, nos resta apenas contemplar. Vejam as obras de influentes arquitetos:

Bjokas

           Após exposições como a cow parade e a rino mania, vacas e rinocerontes já tornaram-se figuras bastante famosas e esperadas nas cidades. Dessa vez, são os orelhões que sofreram intervenções. Entre os dias 20 de maio e 24 de junho os paulistanos podem conferir os 100 orelhões que sofreram modificações. A iniciativa, que partiu da Vivo/Telefônica, tem o objetivo principal de comunicar a troca de marca dos orelhões, que nos próximos meses, passarão de amarelos para roxo, laranja, azul ou verde; cores da logomarca Vivo. Além disso, o Call Parade foi elaborado com a intenção de celebrar a conectividade entre a cidade, as manifestações artísticas, seus autores e a população. 
              As obras foram elaboradas por 100 artistas, 10 selecionados por um comitê curador e 90 por um heterogêneo, e não possuem temas pré-defnidos, ou seja, o que vemos partiu da concepção de cada artista. Vocês podem conferir os orelhões em oito circuitos que envolvem os principais bairros da região metropolitana, ou seja, Avenida Paulista, Avenida Brigadeiro Faria Lima, Vila Madalena, Centro, Paraisópolis e etc. Para ver exatamente os pontos, faça o download do mapa.
            Como sempre, selecionei imagens dos orelhões que mais gostei! Para ver todos, click aqui.

             Hoje, o orelhão é algo muito comum e que todos conhecem, mas a sua história iniciou em 1934 quando a CTB (Companhia Telefônica Brasileira) instalou alguns exemplares de telefones públicos de pagamento antecipado em Santos. Inicialmente, estes telefones eram instalados apenas em pontos credenciados, como bares, cafés e padarias para evitar degradação. Telefonistas ainda auxiliavam nas ligações. Foi apenas em 1971 que os telefones públicos foram para as calçadas de São Paulo, mas apenas 13 cabines que eram feitas de vidro e acrílico, materiais caros e de baixa durabilidade.

           Apesar da expansão ter continuado em 1971, desde o ano anterior, a arquiteta e chefe da Engenharia de Prédio da CTB, Chu Ming, compreendeu a necessidade de uma proposta de melhor custo benefício para que a expansão ocorresse por completo. Foi então que propôs o formato oval de fibra de vidro, devido à melhor acústica e material barato e resistente. Ela buscava a simplicidade e conforto.
            O sucesso de seu projeto foi constatado com a distribuição de orelhões em SP, RJ e outras capitais, totalizando cerca de 4.200 aparelhos; número bem diferente do atual: mais de 52 mil.

Só fico triste porque os orelhões não continuarão expostos..... 

Bjokas